No es sólo un baile, ni un estilo musical. Es el movimiento, el sonido y el latido de todo un pueblo. Un latido muy, muy rápido, que desencaja los huesos y pulveriza cualquier récord para llegar a unos vertiginosos 189 beats por minuto capaces de hacer morder el polvo al más experto en la pista de baile. Sin embargo, no es en los clubs de ninguna populosa urbe donde el Shangaan Electro tiene su origen, sino en las calles de las poblaciones de la septentrional provincia sudafricana de Gaza, hogar de la etnia Tsonga y cuna del sonido Shangaan tradicional, caracterizado por las fluidas líneas de guitarra y percusión ejecutadas en su día por artistas como Thomas Chauke, Peter Tangwena o el General MD Shirinda, conocido por su participación en el mítico y multiplatino “Graceland” de Paul Simon.

Shangaan Electro

Eso fue en 1986, y tras esa puntual exposición al público masivo, el Shangaan continúo recluido en las ondas de Munghana Lonene FM, una pequeña emisora que emitía en tsonga y cuyo alcance apenas incluía la región de Limpopo, origen del hombre que lo cambió todo: Richard Mthetwa, más conocido como Nozinja. Creador, ideólogo, padrino y embajador del Shangaan Electro, Mthetwa pasó de regentar una tienda de reparación de móviles a dotar de voz a toda una generación, respetuosa con la identidad y la herencia de sus mayores pero ansiosa por desarrollar un lenguaje propio.

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Per Yngve Ohlin, más conocido como Dead, era un hombre profundamente obsesionado con la muerte. Un individuo melancólico, oscuro y depresivo, que se veía a sí mismo como un auténtico muerto en vida y que se empeñó en llevar su tanática pulsión hasta el extremo en todos los sentidos, culminando con su sangriento suicido a la edad de 22 años en 1991. Un trágico punto y final no demasiado sorprendente para una trayectoria en la que su afán por alcanzar nuevas cotas de extremismo con Mayhem (banda de la cual fue vocalista desde 1988 hasta la fecha de su óbito) lo llevó a rodearse constantemente de muerte, putrefacción y automutilación, reconvirtiendo incluso su propia imagen en la de un cadáver por medio del corpse paint, estilo de maquillaje facial y corporal indisolublemente asociado desde entonces con el black metal noruego. No fue el suyo el primero, ni quizás tampoco el más definitorio, pero sí puede considerarse como el responsable de su popularización y de su conversión en elemento casi obligatorio en una escena en la que el impacto visual y el componente ceremonial poseen una importancia capital.

Corpse Paint
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Rock Cartoons: Bandas Virtuales y Otros Garabatos Sonoros (1ª parte)

Publicado: octubre 5, 2019 en Sin categoría

Por muy precoces que hayan sido los inicios de cualquier melómano, es más que probable que su primer contacto con la música no llegase de la mano de ningún giradiscos, radiocasete, discman o reproductor de MP3 (táchese lo que proceda según la generación a la que se pertenezca), sino de otro aparato doméstico en torno al cual, de manera casi ritual y con fidelidad inquebrantable, los niños de todo el mundo se han arremolinado desde hace décadas todos los sábados por la mañana para ver sus series favoritas: la televisión. Prácticamente desde los albores del género, los dibujos animados sellaron con el rock una férrea e indisoluble alianza, plagando sus series de pegadizos números musicales o cediendo directamente el protagonismo de éstas a todo tipo de bandas y cantantes, constituyendo así una vía de penetración fundamental para la música en los tiernos y maleables oídos de generaciones enteras.

Rock Cartoons

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Hong Kong, 9 de junio de 1964. El cuarteto británico The Beatles, mermado por la ausencia de un Ringo Starr enfermo de tonsilitis y sustituido temporalmente por el batería Jimmy Nicol, aterrizaba en la península asiática para ofrecer un concierto en el Princess Theatre de Kowloon que cambiaría la historia del pop hongkonés, al menos según la versión más amable del relato (los fríos datos, siempre más realistas, revelarían que este fue el único concierto en la historia de los Fab Four en el que el promotor perdió dinero al no lograr vender todas las entradas, teniendo que completar el aforo con militares uniformados). Sea como fuere, la visita de los de Liverpool significó todo un hito para la juventud local, que por aquel entonces prácticamente renegaba de la música interpretada en cantonés (limitada a la ópera tradicional y a adaptaciones bastante ridículas de estilos occidentales) y abrazaba con entusiasmo los éxitos de artistas anglosajones como Elvis Presley o Doris Day e incluso de bandas que cantaban en mandarín.

Cantopop

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Ponerle nombre o etiqueta a un estilo musical, tarea arbitraria (y a menudo absurda) como pocas, rara vez suele recaer en las manos de ninguna de las propias bandas que lo practican, del mismo modo en que resulta infrecuente poder fijar con precisión alguna el momento y/o lugar de nacimiento del género en cuestión. En el particular caso del Nintendocore, sin embargo, todo esto tiene nombre propio, instante y enclave determinados, pues fueron sus pioneros y más populares exponentes, los californianos Horse the Band, los que de manera más humorística que voluntaria sellaron su partida de nacimiento al etiquetar de ese modo, allá por el año 2000, las escasas 50 copias que prensaron de su primera maqueta.

Nintendocore

El indescriptible contenido de aquel primerizo CD, una experimental y desquiciada fusión de alaridos y riffs de metalcore con música y sonidos de los videojuegos de plataformas de 8 bits como el NES (Nintendo Entertainment System), a la cual los más escépticos seguramente no le viesen posibilidades de repercusión alguna fuera de los círculos de geeks y gamers aficionados al metal, lectores de la revista Wired y asistentes a las Campus Parties, marcó sin embargo la eclosión de todo un subgénero y propulsó hacia un relativo éxito (siempre dentro del undergound) la carrera de los propios Horse the Band, que a día de hoy cuenta ya con cinco LPs y cuatro EPs y contempla giras junto a bandas tan dispares como Fall Of Troy, GWAR o los powermetaleros británicos DragonForce. Los de Lake Forest, que suelen citar el porno gay y el pollo frito entre sus principales influencias, continúan siendo actualmente la banda más representativa y notoria del Nintendocore junto a los también californianos The Advantage, que, en una línea diferente y estrictamente instrumental, basan su repertorio exclusivamente en versiones de temas de videojuegos clásicos del NES como “Double Dragon”, “Legend of Zelda”, “Ghost ‘N’ Goblins” o el emblemático “Super Mario Bros”. Mismo modus operandi encontramos en los riffs pixelados de otros jugadores compulsivos como The Minibosses, The NESkimos o los angelinos The Megas, quienes, rizando el rizo, centran la totalidad de sus canciones en una única franquicia de videojuegos (“Mega Man”), atreviéndose incluso a añadirle letras propias y nuevas composiciones a la música original de la robótica saga.

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Reflejada en la letra de cientos de canciones y en el notorio y desaforado consumo de maltas y lúpulos por parte de numerosos músicos (y seguidores), la estrecha e indisoluble relación entre rock y cerveza ha existido prácticamente desde el nacimiento del género. Con el actual boom de las cervezas artesanales, son cada vez más las bandas que se lanzan a firmar sus propias creaciones, reafirmando su amor por su bebida favorita y redondeando al mismo tiempo una jugada de marketing perfecta, gracias al carácter exclusivo y limitado de este tipo de ediciones. Después de ver condones, cepillos de dientes y hasta ataúdes con el logo de KISS ¿alguien pensaba que Gene Simmons iba a dejar pasar la oportunidad de vendernos su propia cerveza?

Cervezas del Rock

Por supuesto, no nos referimos a cualquier tipo de cerveza, sino a las artesanales, de autor o craft beers, cuyos métodos de elaboración tradicional se han puesto tan de moda frente a la facturación industrial. Bebidas de marcado sabor, volumen y cuerpo, que han conseguido que la cerveza deje de ser la hermana pobre del vino incluso en países de eminente tradición vitivinícola como España, reclamando su lugar en bares y restaurantes y convirtiéndose, como si del nuevo gin-tonic se tratase, en el líquido favorito de toda una pléyade de “nuevos expertos” que hasta hace dos días no habrían distinguido la malta del lúpulo ni aunque les hubiese ido la vida en ello.

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WWE Raw World Tour 2012

Publicado: octubre 2, 2019 en Reportajes

Patadas voladoras, saltos desde la tercera cuerda, caídas, puñetazos, llaves de sumisión… La incomparable fusión de deporte y espectáculo que convierte al universo de la WWE en uno de los shows para toda la familia más excitantes e increíbles del mundo volvió a recalar con enorme éxito de público en tierras españolas, siendo el madrileño Palacio de Vistalegre la primera cita de una gira hispana que en las siguientes jornadas desembarcó también en Sevilla, Valencia y Barcelona.

WWE Raw World Tour

Tal y como ya sucediera en su visita del pasado año, las Superestrellas y Divas del popular programa televisivo, cuyas cifras de audiencia son sencillamente astronómicas, cruzaron el charco para hacer disfrutar en directo con sus enfrentamientos sobre el cuadrilátero a un nutrido público fundamental pero no exclusivamente infantil, habida cuenta del predicamento que esta peculiar combinación de combate y artes escénicas tiene entre los adictos a la adrenalina de todas las edades.

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(DIRTY WATER RECORDS)

No es de extrañar que los madrileños se sientan mucho más orgullosos del sonido alcanzado en su cuarto disco que de su look de irredentos crápulas tabernarios, y no sólo por el innegable modo en que este último flirtea con el desastre. Pueden y deben encontrarse satisfechos por haber logrado de una maldita vez un disco que le hace verdadera justicia a lo que el grupo es y representa, enlatando buena parte (el total sería sencillamente imposible) de lo que desarrollan en el hipervitaminado pandemonio que son sus directos, faceta en la que su reputación no conoce rival y que por algo les ha llevado a convertirse en uno de nuestros combos más internacionales. Quizás por ser precisamente esta la primera ocasión en la que la banda no ha concebido el álbum como un mero pretexto para lanzarse de cabeza a su hábitat natural, sino como un fin en sí mismo desde la primera hasta la última de sus canciones, Los Chicos han fraguado aquí un trabajo que asienta definitivamente su desbordante personalidad con un sonido que, por encima de cualquier referencia, suena a ellos mismos de modo inequívoco y nos trae algunos de los temas más potentes, frescos y divertidos que jamás hayan grabado. Tal vez con una mayor limpieza de la habitual en ellos y con unas gotas de powerpop más perceptibles en su habitual mixtura de rock, R&B, punk, garage y blues, pero, por encima de todo, con una vitalidad, una energía, una creatividad y un buen gusto envidiables desde la elección de todos y cada uno de los invitados que participan en el disco hasta la preciosa portada que lo envuelve. Así se hacen las cosas.

Publicada en el número 15 (noviembre de 2010) de la revista Rock Estatal

DEPEDRO – Papiroflexia Emocional

Publicado: septiembre 1, 2019 en Entrevistas

La apuesta más íntima y personal de Jairo Zavala (La Vacazul, 3000 Hombres, Amaparanoia…), aquella con la que el madrileño da rienda suelta a su faceta más cálida, relajada y aperturista, ya tiene continuación a su aclamado debut. Tras dos años de carretera infinita, buena parte de ella recorrida junto a Calexico en su doble rol de telonero y guitarrista de los de Tucson, ve la luz ‘Nubes de Papel’, consolidación y ampliación de un expansivo crisol de influencias y matices que bebe con igual falta de prejuicios del flamenco, el blues o el folk y de los ritmos latinos, africanos o brasileños.

¿Cuáles serían las principales diferencias entre ‘Nubes de Papel’ y tu primer disco como Depedro?

Ha habido diferencias sobre todo en el proceso de grabación, que ha tenido lugar durante estos dos últimos años de viajes. No he esperado a tener todas las canciones acabadas para meterme un mes en el estudio a hacerlo. Si estaba en Arizona y por lo que fuera tenía una semana libre, intentaba pillar tres días de estudio y me metía ahí a grabar lo que tenía en la cabeza, y lo mismo aquí en Madrid. A nivel de composición y producción hay más colores, porque he tocado con muchos artistas en muchos festivales en diferentes países, con diferentes culturas, diferentes acentos… y todo eso acaba ahí, inevitablemente. También es un disco más reflexivo, en el que he hecho mayor hincapié en las letras y me he currado más cómo depurar la emoción que quiero transmitir para que llegue de una manera más clara. Yo creo que ha sido por la cantidad de horas que me he pasado esperando aviones o metido en furgonetas (Risas). Leer el resto de esta entrada »

Pin-Ups del Siglo XXI

Publicado: agosto 1, 2019 en Estéticas Urbanas

Pin-Up, cheesecake, chica del póster… Puedes llamarla como quieras, pero lo que está claro es que sus carnosos labios rojo carmín, sus voluminosos pechos y sus piernas infinitas han vuelto con más fuerza y presencia que nunca. Dentro del desbordante revival que vivimos actualmente y que fagocita, recrea y explota sin pudor cualquier elemento que tenga que ver con la iconografía de las décadas de los 40 y los 50 (en Estados Unidos, por supuesto), no podía faltar el más sensual y glamuroso de todos ellos: la chica explosiva de cuerpo perfecto y rostro angelical que lanzaba desde las portadas de las revistas una mirada inocente y seductora a partes iguales.

Dita Von Teese

Un poderosísimo icono que, más de medio siglo después, mantiene intacto todo su esplendor y su encanto, gracias a su capacidad de evocación de un momento y un lugar que, pese a resultarnos totalmente ajeno y distante, percibimos como dorado. El music hall, el Hollywood clásico, el cabaret, los nuevos aires de libertad… y una Segunda Guerra Mundial en la que los soldados norteamericanos decoraban sus taquillas y los morros de sus aviones con las imágenes de aquellas seductoras figuras, amuleto de la suerte en combate y motivo más que sobrado para soñar con volver a casa de una pieza y estrecharlas en sus brazos.

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